Ce film sorti, en 1965, est atypique dans la carrière d’Arthur Penn, mais l’échec financier occasionné a obligé son metteur en scène de s’orienter sur d’autres voix plus traditionnelles, avec une consécration internationale à la clé. Un jeune homme d’origine polonaise semble être persécuté pour de sombres histoires de dettes de jeux ou de jalousie amoureuse, mais les faits restent incertains… On finit par se demander s’il ne souffre pas finalement de paranoïa. La première image est incongrue, sanglé dans un manteau d’hiver, notre homme amuse tel un bouffon des hommes mûrs suants dans un sauna, déclenchant l’hilarité générale. Un Warren Beatty mutique mais évidemment séducteur, fuit dans une Amérique profonde, dans une ambiance plus proche de la grande répression des années 30 que de la légèreté des sixties, il rencontre une humanité blessée, de trognes, de clochards ou de salutistes. Après avoir accepté un boulot de plongeur, il retrouve immédiatement son travail de showman à la Lenny Bruce, en sabotant avec son répondant, le numéro d’un comique de cabaret fatigué. Il se trouve un manager de fortune, et relance son talent tout en cherchant à se cacher de ses éventuels agresseurs.
Warren Beatty
Il rencontre une jeune femme Jenny, – Alexandra Stewart, à la fraîcheur ravissante – qui sous-loue l’appartement de l’homme désormais surnommé “Mickey One” par un homme travaillant dans un restaurant. Avec elle il semble retrouver un second souffle, alors que Castle, un mystérieux homme d’affaires le cherche pour le faire monter sur scène, joué par Hurt Hatfield, il est toujours amusant de retrouver l’inoubliable interprète de Dorian Gray chez Albert Lewin, avec.. 20 ans de plus. La beauté formelle de ce film est éclatante, grâce à la très belle photo de Ghislain Cloquet, on suit le personnage du film dans une sorte de cauchemar permanent – il est difficile de ne pas songer à “8 1/2, tant on retrouve ici certaines ambiances oniriques -. Le style est alerte, même si on a du mal à retrouver ses repères. Ce film est un choc visuel, porté par une superbe musique d’Eddie Sauter, mérite qu’on le redécouvre. C’est une étude presque clinique et une grande leçon de mise en scène, pouvant transformer “les feux de la rampe” en une redoutable menace. Warren Beatty et Arthur Penn, se retrouveront avec succès dans “Bonnie & Clyde” en 1967.
Ce film est le second opus de la trilogie de Lars Von Trier sur les États Unis : “Land of opportunities”, dont il a eu l’idée en lisant l’épilogue du célèbre livre de “Pauline Réage” de 1954, ‘Histoire d’O’. : Le titre de cet épilogue est ‘Le bonheur dans l’esclavage’ et commence par décrire une rébellion qui couve dans l’île de La Barbade en 1838. Un matin de très bonne heure, un groupe de ‘nègres’, hommes et femmes, qui ont été récemment libérés de par la loi, approchent de leur ancien maître, un certain Mr. Glenelg, et demandent à redevenir ses esclaves. Mr. Glenelg refuse leur requête – on ignore si c’est par peur, parce qu’il a des scrupules ou simplement parce qu’il est un homme respectueux des lois. Ses anciens esclaves commencent à le bousculer légèrement, puis à le malmener un peu plus brutalement. Glenelg et sa famille seront finalement massacrés par le groupe. La même nuit, les ex-esclaves reviennent dans leurs anciens quartiers, où ils recommencent à parler, à manger et à travailler comme ils le faisaient avant l’abolition de l’esclavage. (extrait du dossier de presse). 
Pour son beau livre d’entretiens “Conversations avec Billy Wilder”, un régal édité aux éditions “Actes Sud”, on est tenté de laisser son côté scrogneugneu, mais Cameron Crowe continue sur son sillon pachydermique après le calamiteux “Vanilla Sky”, poussif remake de “Ouvre les yeux” d’Alejandro Amenabar, film inventif. Il lui manque sans doute un producteur pour canaliser son côté dispersé, mais force est de constater qu’il n’a pas retenu grand chose de sa rencontre avec le grand metteur en scène. Ca débute sur une apologie du chaos, ou une allégorie de la « tatane » c’est selon, le designer Drew Baylor – Orlando Bloom, probant, adoptant certaines attitudes d’un Anthony Perkins – ayant dessiné un modèle de chaussure inadéquat entraînant une perte sèche d’un milliard de dollars. La nouvelle de cet échec, fera la une des journaux économiques, créant une sorte d’apocalypse, rabattant ainsi le caquet d’un petit “yuppie” arrogant. Son entreprise risque d’ailleurs de ne pas s’en remettre. Ne sachant pas comment réagir à cette annonce, trop énorme pour son investissement. Il songe à un suicide pour le moins original, avant de recevoir la nouvelle de la mort de son père. Il est seul chargé seul, par sa sœur et sa mère désemparées, des obsèques avec la famille de la maison natale paternelle dans le Kentucky… Le film se veut très profond, du travail du deuil – la petite famille le surveillant pour savoir s’il a bien réalisé la mort de son père -, l’exaltation d’un nouvel amour – avec la charmante. Et il nous ressort l’éternel cliché de la rencontre tardive avec son père après la mort de ce dernier. Il nous surcharge, hélas la moindre de ses trouvailles – les derniers regards, les interminables conversations lors d’un flirt amoureux, la cassette pour enfants turbulents, le carnet de route, répétés à l’envie.
Il s’agit(e) évidemment d’une production de pur divertissement qui se propose de toucher le plus large public, pour être un gros succès commercial. Évidemment ici aucun rapport avec la série avec Jacques Santi et Christian Marin, d’après la bande-dessinée du tandem Charlier-Uderzo. La reprise du titre “Les chevaliers du ciel” est juste une roublardise, l’histoire reprenant juste l’idée du binôme mal assorti, évidemment “Les aventures de Marchelli et Vallois”, ça manque tout de même de cachet. On le sait “Joyeux Noël” n’a pas eu la collaboration de l’armée, il est des souvenir qui fâche, mais notre grande muette nationale a largement contribué à ce film, dont l’impression d’avoir un propos assez propagandiste, ce qui est un tantinet gênant. Cet échange donne certes des images réalistes, assez soufflante, ce qui est l’intérêt du film. On n’a pas lésiné sur les moyens mis en chantier, en comparaison les autres scènes en compréhensible en raison des autorisations de tournage difficiles à obtenir au-dessus d’une grande ville, ne font que souligner la réussite. Seule ombre au tableau notre ministre des armées a dû être jalouse des tailleurs très stricts de Géraldine Pailhas, qui en prime trouve le moyen d’être rayonnante même dans ce costume peu sexy. 
Le premier long plan séquence qui se focalise sur le visage en pleurs de Natalie Portman, donne le ton. Une chanson lancinante sur la chaîne inéducable de la violence l’accompagne, seule dans une voiture, on guette tout signe extérieur, le moindre son, pour avoir des éléments de compréhension, on prend conscience du temps et de la multiplicité de culture que l’on croit devenir à l’extérieur. On suit frontalement la peine de Rebecca, une jeune Américaine, ce début déroutant aide à nous concentrer sur les personnages plutôt que sur des situations qui ne sembleraient finalement nous échapper. Née en Israël, la star hollywoodienne, se sert de son aura pour aider au cinéma d’auteur, tout en réfléchissant sur son identité. Son personnage, ayant connu une déception amoureuse et une dispute avec sa belle-mère et qui cherche à sortir d’Israël. Elle rencontre Hanna – admirable Hanna Laslo, sorte d’équivalent à Muriel Robin en Israël et qui a mérité son prix d’interprétation -, qui conduit un taxi, et la convainc de l’amener dans un no man’s land en Jordanie, la “Free zone”, sorte de “No man’s land” sans douanes ni taxes, créé pour permettre des échanges commerciaux entre les divers États. Amos Gitaï, n’a pas choisi la facilité, confronte les différentes langues et cultures dans ce road movie, quitte à déstabiliser ses spectateurs, la narration étant moins traditionnelle que dans “Kadosh” par exemple. 
“A history of violence” a été présenté à Cannes en mai dernier, sans recevoir de prix, on retrouve pourtant la maestria de la mise en scène de David Cronenberg, et une profonde réflexion sur l’humanité quand advient l’inéluctabilité de la violence. C’est une adaptation de Josh Olson d’après une bande dessinée publiée en 1997de John Wagner et Vince Locke. Mais le parti pris est celui ici du réalisme, et d’une dénonciation des faux-semblants et de l’hypocrisie de mise dans la société américaine actuelle. On pense évidemment au traitement visuel de la violence par Sam Peckinpah. Ici elle procède de l’auto-défense et est acquise ou innée et semble inéducable. David Cronenberg dresse un tableau sans complaisance dénonçant une mentalité profonde ancrée aux États Unis en nous rappellant la toute puissance du loby NRA, militant en faveur de l’armement, il se révèle plus efficace qu’un Michael Moore plus dans la manipulation. Il dénonce aussi les médias, et mêmes la mentalité des gardiens de l’ordre établi – l’attitude ambiguë du shérif – . Cette réponse faite à l’agression de son propre territoire – qui nous vise de plus dans notre tendance au repli sur soi -, nous rappelle un certain déterminisme de l’homme, on est proche de l’univers du western.
Avant-première hier à l’UGC Cité-Ciné de “La vie est à nous” de Gérard Krawczyk, en sa présence et celle de Michel Muller. Rien à voir avec le film de Jean Renoir, consacré au front populaire, c’est ici un regard attendri sur des gens simples. C’est l’avantage de pouvoir y voir, un film un mois avant tout le monde, puisqu’il sort le 7 décembre prochain. Ils viennent présenter un peu anxieux, on les comprend c’est la première diffusion devant le public. Ils se connaissent bien puis que c’est leur quatrième film qu’ils font ensemble avec “Taxi 2”, “Wasabi” et “Fanfan la tulipe”. Michel Muller un peu dépenaillé, s’installe avec nous pour découvrir le film. Et là c’est une excellente surprise car on retrouve le ton du premier film de Gérard Krawczyk « L’été en pente douce » réalisé en 1986, avec Pauline Lafont, Jean-Pierre Bacri et Jacques Villeret. C’est presque un western, où ce serait les femmes qui mènent le bal. Dans un petit village de province – tourné en Savoie -, la vie du village est centrée sur deux cafés, l’un « L’étape » tenu par Louise – Sylvie Testud au delà du formidable – et sa mère Blanche – Josiane Balasko touchante – restée diminuée, elle s’est fait renverser par un camion, l’autre « Le virage » tenu par Lucie Chevrier – Catherine Hiegel qui a un formidable abattage et ses filles -. Elles ont juste une allée à traverser pour ce retrouver, mais ça reste presque un obstacle infranchissable, on devine bien qu’elles ont finit par oublier ce qui les a séparées finalement. Le mari de Blanche vient à mourir, et Sylvie Testud au débit de parole continuel, se démène pour faire vivre le café et trouver une idée originale pour que Josiane Balasko ne s’apitoie pas trop sur son sort – je vous en laisse la surprise -. Les clients du café assez versatile, sont comme attirés par l’énergie de Louise, qui recueille le jeune Julien – Danny Martinez au jeu mutique, mais on n’a rarement vu ces derniers temps un enfant comédien aussi probant – que leur confit une amie Marguerite – Chantal Banlier toujours juste – qui n’est tolérée qu’en coup de vent. Car Louise et sa mère ont leur territoire, et elles ne sont jamais sortis de cet univers, la petite rivalité avec les femmes du café d’en face ne faisant que les galvaniser. Les règles sont bien établie, la bonne humeur est de mise, et Louise a des répliques formidables fascinant le petit monde des consommateurs – on retrouve notamment Jacques Mathou et Laurent Gendron, déjà présents dans « L’été en pente douce -. Elles s’occupent également d’un bredin trentenaire sympathique mais très porté sur la boisson et surnommé La Puce, capable de toutes les extrémités, – Michel Muller, très subtil -. Arrive des camionneurs grévistes – très jolie scène sortant les villageois de la torpeur de la nuit -, mené par Pierre, un grand gaillard un peu lunaire – Éric Cantona, dans sans contexte son meilleur rôle -, qui fascine d’emblée Louise…
Roman Polanski reste un cinéaste majeur, même si ces dernières années il n’atteint pas les sommets de ses premiers film. Cette nouvelle adaptation du célèbre roman de Charles Dickens, publié en 1837 est une réussite. C’est d’autant plus méritoire, que David Lean avait réussi visuellement une précédente adaptation et que Ben Kinsley compose de manière plus nuancée Fagin, que l’excellent Alec Guinness – on se souvient de critiques à l’époque d’antisémitisme dû à un maquillage assez outrancier, mais c’est un autre débat -. Après le très abouti “Le pianiste”, le réalisateur tente de faire un film optimiste pour tout public. On peut voir pourtant un gros problème avec le très falot Barney Clark, certes le côté mignonnet du personnage d’Oliver Twist est censé trancher avec la noirceur d’une Angleterre victorienne. Il est idéal pour subir l’avanie des situations mais son jeu fait hisser l’insistance au niveau des beaux-arts. À part ce gros écueil, on retrouve la maestria de Polanski à utiliser les décors et à installer une atmosphère, et une ironie constante – le chien de Bill Sykes, personnage à part entière -. Roman Polanski retrouve Ben Kingsley, son interprète du trop mésestimé “La jeune fille et la mort”, ce dernier campe avec beaucoup d’humour ce personnage de Fagin, qui rappelle d’ailleurs l’aubergiste campé par Alfie Bass dans “Le bal des vampires”. Sa dernière scène est d’ailleurs un grand moment d’émotions. Une distribution de trognes délectables l’accompagne de comédiens méconnus chez nous, citons Jamie Foreman en Bill Sykes inquiétant à souhait ou Edward Hardwike en Mr. Brownlow, grand bourgeois humaniste.
En souvenir de la “Rose pourpre du Caire” où Jeff Daniels descendait de l’écran, c’était très émouvant de voir Woody Allen faire l’effort de venir présenter en français son film “Melinda et Melinda” en décembre 2004, à l’UGC Cité-Ciné. C’était très furtif, mais il déclarait avec autodérision, que si la vision de son film s’avérait “traumatique” (sic) l’on pouvait attendre son prochain, déjà tourné, film que voici : “Match-Point”.
Amis de la guimauve, “Ralph” est fait pour vous. On le voit déjà le réalisateur présenter son film dans un petit atelier d’écriture, faire comme dans “The player” le beau film de Robert Altman, poser l’idée suivante, 1/3 Billy Elliott, 1/3 Les chariots de feu, 1/3 d’American Pie, le tout sous Prozac… . Ca commence plutôt bien, le jeune Raph titillé par sa libido naissante, il a 14 ans ne pense qu’à exercer l’onanisme – 22 fois par jour -, dans les ondes d’une piscine ou contre une tondeuse à gazon… Ne voyez rien de corrosif, il s’agit ici de ne pas choquer les chaisières de “Saint-Nicholas du Chardonnet”, l’entourage clérical du lieu – nous sommes en 1954 – s’amusant presque de ce petit travers. Mais la mère du jeunot tombe dans le coma – par solidarité avec elle je l’ai suivie très vite d’ailleurs -, il tente de la réveiller en lui faisant sentir de la merde, mais ça ne fonctionne pas des masses. Il va donc chercher à réaliser un miracle en voulant gagner le marathon de Boston. Vaste programme que vouloir devenir ainsi un saint laïque. Troquons donc la morne jubilation de l’éjaculation contre l’effort honorable d’une saine chasse à l’adrénaline. 