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Le coin du cinéphage
Le coin du cinéphage

Meurs, monstre, meurs

Ecrit par Coinducinéphage

 

 

 

 

 

 

Le FIFIB 2018 s’est terminé ce dimanche, avec encore une fois une programmation très riche.

Le grand reproche que l’on peut faire à ce festival c’est que malheureusement le cinéphile lambda et curieux n’a hélas pas le don d’ubiquité.

« Meurs Monstre meurs », second long-métrage solo d’Alejandro Fadel, a reçu le prix – mérité – du long-métrage international.  Dans une région inhospitalière de la Cordillère des Anges, on découvre une femme décapitée, l’ensemble est vu en plan large, autour d’une ferme comme écrasée par une montagne menaçante.

On finit par retrouver sa tête dans une porcherie. Un policier local, Cruz, assez frustre, enquête – Víctor Lopez impressionnant, sorte de Michel Constantin argentin avec une voix d’outre-tombe trafiquée.

Il est l’amant de la femme de l’un des principaux suspects, David, aux portes de la folie et qui semble être fasciné par un « monstre ». Le supérieur de Cruz, un capitaine sentencieux et revenu de tout, le couvre dans ses démarches. De mystérieux motards hantent les lieux, et une sorte de frénésie finit par contaminer tout le monde.

On saluera la richesse du cinéma argentin depuis quelques années – à l’instar de « Rojo » également en compétition cette année -.

Le débat fut assez iconoclaste, la productrice étant particulièrement rétive à faire la traduction, on perdait un peu en compréhension, même si si le réalisateur parle un peu  français.

Un spectateur bilingue soulignait d’ailleurs qu’il faisait par exemple un jeu de mots intraduisible en français entre la parole et la bave. Une sorte d’humour à froid assez désarmant et une vraie volonté pour le réalisateur d’écouter les réactions des spectateurs, il était d’ailleurs assis sur les marches pour assister à la première scène choc du film.

Difficile d’évoquer ses explications sous peine de révéler toute la complexité du film, même si au final on se demande si elles éclairent vraiment le film.

Il joue sur les sensations, un climat délétère qui semble contaminer tous les personnages du film, tous très justes de l’amateur au professionnel.

En filmant les lieux de son enfance, il ne se résout pas uniquement à tracer un portrait politique de l’Argentine, il se veut une réflexion sur le mal et au final un reflet exacerbé de notre société actuelle. Il joue sur les peurs primales, dynamitant les codes du cinéma de genre, du film d’horreur au western, pour démontrer le monstre qui peut se retrouver dans chacun de nous.

On restera allusif sur le « monstre » – un tantinet français aussi à la lecture du générique et, comme  qui dirait, sexué ! –

Il privilégie des effets-spéciaux analogiques, contre un numérique actuel glaçant, développe une angoisse sourde et métaphysique. La peur est vraiment au rendez-vous, ses personnages sont consistants, comme reliés au mal qui ne demande qu’à surgir.

Un vrai univers ce qui n’est plus si fréquent, comme si Bruno Dumont rencontrait David Cronenberg, le film est prenant et désorientant de bout en bout.

FILMS, Non classé,

L’homme qui a surpris tout le monde

Ecrit par Coinducinéphage

Nouvelle édition du « Festival du film indépendant », à Bordeaux, 7ème édition déjà. L’occasion de retrouver des univers exigeants, et un regard lucide sur notre monde. Commençons par le film russe « L’homme qui a surpris tout le monde », accompagné d’une petite présentation filmée du duo de cinéastes Natasha Merkulova et Aleksey Chupov, qui font même l’effort de parler un peu en français. Un garde forestier vivant en Sibérie, père de famille, a une femme aimante enceinte de son deuxième enfant, et un beau-père bougon. La petite famille vit dans une ferme rustique. Un maire local défend mollement ses administrés, baratinant pour sa réélection, les problèmes de courant sont nombreux et les hivers sont rigoureux. Le héros du film, bien intégré, manque de perdre la vie face à deux braconniers, qu’il tue en légitime défense. Il apprend ensuite qu’il ne lui reste que deux mois à vivre, son cancer étant en stade terminal. Soucieux de régler l’avenir de sa famille après sa mort, il finit par adopter une attitude qui surprendra aussi bien ses proches que les villageois. Comme dit Léo Soesanto, accompagné de l’une des distributrices du film, la difficulté est de ne pas « divulgacher » le film comme disent les québécois. Avec un début naturaliste, et un côté « caméra à l’épaule », le film finit par trouver son rythme quand le personnage principal adopte un comportement totalement inattendu. Son interprète Evgeniy Tsyganov, est marquant dans une interprétation très sobre, en homme mutique, qui répond toujours à ce qu’on attend de lui mais finit par explorer des aspects cachés de sa personnalité, tant il doit faire face à une société patriarcale rude et impitoyable. La critique de la Russie est acerbe, si le système médical semble prendre en charge une « fin de vie » sans frais médicaux à avancer, la société reste violente, impitoyable et intolérante, les villageois après une période de sidération, montrent le vrai visage d’une société résignée et réfugiée dans le repli sur soi, le cocon familial n’étant plus forcément un refuge. Le film montre bien l’isolement et l’opprobre qui peuvent atteindre ceux qui sont réfractaires ou critiques. Dans le rôle de l’épouse, Natalya Kudryashova, prix d’interprétation au festival de Venise, est lumineuse en femme enceinte trop aimante. Le film dérange par son acuité, tout en flirtant avec le fantastique, à l’instar de jars sous la neige ou les incantations d’une rebouteuse folklorique. La lumière soviétique, si caractéristique, donne une étrangeté à ce conte réaliste, et finalement salutaire et critique, sur la difficulté de s’affranchir de carcans et d’œillères imbéciles. Un film qui a bien entendu une résonnance toute particulière en ce moment, et tombe à point nommé.

FILMS,

Olli Mäki

Ecrit par Coinducinéphage

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La vie de certains films se rapprochant de celle d’un feu follet, on aura beau jeu de courir vers les premières séances, pour trouver à satisfaire sa curiosité, tant le système de distribution est sans pitié. Il ne reste qu’à attendre un DVD, la VOD ou une éventuelle diffusion câblée, avec un sentiment de frustration quand on ne peut même pas participer marginalement à contribuer à un bouche à oreilles éventuel. Ce grand Prix d’Un certain regard, à Cannes, mérite que l’on s’y intéresse. Été 1962 à Helsinki, Olli Mäki – attachant Jarkko Lahti -, un boulanger boxeur doué, se partageant entre une solidité simple et une fragilité contemplative, doit prétendre au titre de champion du monde poids plume de boxe, à condition qu’il perde quelques kilos. Il est pris en charge par un manager sans scrupules – Eero Milonoff, probant -, influencé par son vécu aux États-Unis, pour accéder au statut de star nationale. Il rencontre, lors d’un mariage, Raija, une jolie institutrice, et il devra concilier son amour naissant, un entraînement intensif, et se soumettre aux jeux des médias, se prêtant à quelques mises en scène, avec en prime une équipe de tournage documentaire à ses basques.

Le film est très drôle avec cet humour à froid de son réalisateur, Juho Kuosmanen (difficile de ne pas penser à l’univers d’Aki Kauris[Mäki], mais un cinéaste à suivre assurément avec son style propre). Le charme des années 60 et une certaine insouciance sont retrouvés. À l’instar du distinguo « poids plume » et « poids coq » évoqué lors d’un mariage à l’église, la boxe est un sport très cinématographique, dont on ne compte plus les classiques. « Olli Mäki » est rafraîchissant, dénonçant quelques travers naissants, de l’exploitation du noble art à des fins peu louables. Le portrait de ce boxeur est très revigorant, pour ce personnage, existant, qui garde son âme d’enfant (belle scène quand il trouve un cerf-volant dans les bois) -, et se surprend à découvrir ses failles. Son corps se refusant à se retrouver dans des nouvelles règles du jeu, nuisant à sa volonté de vaincre. Un film donc réjouissant à la beauté formelle, avec son noir et blanc qui permet d’éviter les travers de la restitution, en stylisant l’ensemble, style que l’on peut retrouver dans plusieurs films contemporains. On recommandera cet univers poétique et sa belle mentalité, dans notre joyeux petit monde actuel.

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Chouf

Ecrit par Coinducinéphage

chouf

Avant-première à l’UGC ciné-cité Bordeaux en présence de Karim Dridi, le 30 septembre dernier, Présenté comme le troisième volet d’une trilogie marseillaise après « Bye-Bye », sorti en 1995 et « Khamsa », sorti en 2008, « Chouf » marque un retour en force de Karim Dridi. Sofiane -Sofian Khammes, très convainquant- la vingtaine est étudiant à Lyon et se retrouve chez ses parents à Marseille. L’aîné, lui, est un caïd local, habitant toujours avec sa famille et la soutenant financièrement, même si sa mère rechigne à recevoir de l’argent de lui, de même que son père – Slimane Dazy – qui lui reproche ses « zig-zags ». « Chouf », venant de « regarde » en arabe, est le nom des guetteurs dans les opérations de drogue, très bien rémunérés, et le film nous fait découvrir cet univers. Si Sofiane a un parcours tout tracé, le destin en décide autrement. Il se retrouve pris dans une spirale infernale de violence, alors qu’il pouvait sortir d’un certain déterminisme, mais que faire pour lui quand « la marche arrière est cassée ». Karim Dridi, avec une grande force, nous montre la cité phocéenne, d’une manière assez inusitée dans le cinéma français, sans manichéisme, jouant avec l’inventivité du langage de ces jeunes délinquants, un argot « tranquille » marseillais très inventif, dans une société qui ne présente que peu d’espoirs, où même certains policiers sont corrompus. Entre western et tragédie grecque, le film est remarquable dans la tension, il transcende le côté documentaire de jeunes voyous adeptes de kalachnikovs, sans porter de jugements sur ses personnages. C’était passionnant, lors de l’avant-première, de voir ce réalisateur très en verve défendre son film, se réjouissant de voir des spectateurs venant de tous milieux se retrouver à la vision de son film. Les questions portaient plus sur le social que sur le cinéma, mais le débat fut intéressant, « Chouf » portant bien son titre nous fait regarder notre société autrement, un constat implacable mais pas totalement désespéré, Le film, bien qu’aidé par Rachid Bouchareb, fut difficile à financer, Karim Dridi, s’étant installé à Marseille avec se famille, pour mieux s’ancrer dans sa réalité, a vu son tournage repoussé plusieurs fois. Ironie du sort, « Khamsa » est très populaire là-bas via You tube, ce qui a permis une meilleure acceptation de tournage dans des quartiers sensibles. Il en a profité pour travailler avec ses jeunes interprètes en faisant des ateliers. Ils sont tous remarquables de présence, – Foued Nabba, Oussama Abdul Aal, Zine Darar, Tony Fourmann – ce dernier déjà présent dans « Khamsa »… Bien que jeunes, les personnages sont bien campés et dignes de figurer dans un western. On retrouvera aussi le fidèle Simon Abkarian en parrain libanais, très impressionnant, Slimane Dazi, toujours d’une belle humanité ou Christian Mazzuchini, à suivre après son personnage de chauffeur de taxi dans « Marseille » en flic pourri, pour les plus confirmés. Le film très rythmé, allie parfaitement le constat social et le thriller efficace, un regard que l’on aimerait trouver plus souvent dans le cinéma français, nous confortant sur le renouvellement constant de son réalisateur.

FILMS

Gaz de France

Ecrit par Coinducinéphage

Philippe LaudenbachPhilippe Laudenbach dans « Gaz de France »

Le FIFIB est un festival de films indépendants, se déroulant cette année du 8 au 14 octobre à Bordeaux, l’occasion d’avoir des nouvelles des « films du milieu », chers à Pascale Ferran, et de constater parfois sa bonne santé malgré les contraintes diverses, comme l’an dernier pour le cinéma français : « Bébé tigre », « Mercuriales » et « Vincent n’a pas d’écailles ». J’y reviendrai pour d’autres films, j’aime à commencer par le film vu le plus iconoclaste, présenté le 11 octobre dans le cadre de la « FIFIB création ».

« Gaz de France » fut présenté à l’Utopia, par son réalisateur Benoît Forgeard et Bertrand Burgalat, musicien du film pour l’occasion. Dans un avenir proche, Jean-Michel Gambier, un Président de la République, curieusement élu (son gimmick étant de présenter la crise en chantant) bat des records d’impopularité (toute ressemblance…). Il est régulièrement sujet aux moqueries, aidé par son sobriquet Bird, ce qui facilite les railleries de ses détracteurs qui se régalent de noms d’oiseaux. Il est campé par Philippe Katherine, et on se surprend à jouer le jeu de croire à la situation, vu le décalage perpétuel de son personnage, même si ça grince parfois (pour l’avoir écouté cet été sur France Inter). Lors d’une émission télévisuelle animée par Camille Japy, où il est confronté à un public de « vrais gens », il commet la bourde d’interroger une personne non-désignée et non préparée et n’arrive qu’à lui signifier une impuissance chantée.

Michel Battement, sorte de Jacques Pilhan moderne, conseiller occulte, doit préparer une allocution de la dernière chance le lendemain soir à l’Élysée. Olivier Rabourdin joue ce personnage et il y est excellent. Suffisant et péremptoire, il jouit régulièrement d’une autorité blessante. Il décide de recevoir un panel de Français moyens pour mieux répondre aux attentes, et se retrouve face à des individus atypiques, choisis par un « pubard » branché – excellent Antoine Gouy, mûr pour les premiers rôles, citons récemment son personnage dans « A love you » -. La rencontre occulte se produit dans les sous-sols de l’Élysée qui réservent bien des surprises.

Benoît Forgeard a déjà une œuvre conséquente dans le court-métrage, que je ne connais pas, et c’est bien dommage, car pour son premier vrai long, il est incontestable que son univers est déjà très prometteur. Il est très à l’aise avec la satire et se revendique sous l’influence d’un certain cinéma des années 60/70, tel les films d’Alain Jessua. C’est donc un véritable « Jeu de massacre », très mordant contre le storytelling et le décalage entre les politiques et leurs administrés. On retrouve dans sa présentation son humour proverbial, comme par exemple, sur le choix du titre de son film: puisque cette compagnie a pris « La dolce vita » comme titre pour l’une de ses campagnes, il a choisi « Gaz de France » .

Tous les interprètes sont excellents. Ainsi Philippe Laudenbach trouve son rôle le plus probant depuis « Maléfiques » en écrivain vieille France et fleur bleue, Alka Balbir en conseillère arriviste, Darius en professeur allumé, et même Forgeard lui-même avec une présence mutique suspecte. Par la forme, le tournage étant fait sur fond vert, les décors étant rajoutés ensuite, il apporte une stylisation onirique réussie – on pense aux trucages d’un Jean-Christophe Averty – qui manque de faire basculer le film vers le fantastique. La farce est probante, décrivant une France comme un gruyère – les ressources du sous-sol étant vendues depuis longtemps -. C’est grinçant, salutaire et assurément un univers que l’on aimera retrouver très prochainement. Sortie en janvier 2016, plus d’infos sur le site de l’ACID

FILMS

Les compagnons de la pomponette

Ecrit par Coinducinéphage

Les compagnons de la pomponette

 

 

 

 

 

 

On voit beaucoup Jean-Pierre Mocky en ce moment dans les médias à l’occasion de la parution de son livre « Je vais encore me faire des amis ». Stéphane Bou parlait très justement de lui dans feu l’excellente émission « Après les travaux le cinéma continue», sur France Inter, co-animée par Jean-Baptiste Thoret. Il y a deux Mocky(s) assez distincts, le Mocky « Granowsky » (son personnage redresseur de torts dans « A mort l’arbitre »), et le Mocky – « Paul Wermus », bon client et provocateur sur les plateaux TV flirtant avec les limites .
Ce dernier est donc de sortie, on voit ainsi le petit jeu de quelques chroniqueurs pathétiques – la palme venant à l’ineffable Manon Ruggieri dans « C à vous » – pour le pousser dans ses provocations histoire de faire le buzz et nous régaler de quelques méchancetés. C’est dommage car ce dernier personnage dessert l’artiste, qui continue même avec une économie de moyens à nous surprendre. Paradoxalement plus Mocky est populaire dans les médias, moins le grand public connait ces films. Même si l’on peut reconnaître à son sujet un désintérêt à diffuser ses films et surtout en Province, trois de ces derniers films sortent en catimini dans sa salle Le Desperado depuis le 17 juin dernier. (« Tu es si jolie ce soir », « Les mystères de la Jonquille » et « Les compagnons de la Pomponette ».
La venue de Mocky au festival surréaliste au Théâtre du Pont Tournant à Bordeaux, le 5 mai dernier, fut l’occasion de le rencontrer et de visionner ces nouveaux compagnons (le titre évoque l’un de ses meilleurs films « Les compagnon de la marguerite ».) On retrouve ainsi le Mocky Granowsky affable et courtois, et toujours aussi passionné. On reste parfois pantois sur ces histoires, on en était resté sur des études de droits et de belles lettres dans son parcours, il a désormais 3 ans d’études de médecine. Il doit également rencontrer le Pape (qu’il surnomme le Père François), suite à ce film, mais on se régale toujours à ses histoires, sa passion et son empathie pour « les monstres », et ses évocations diverses.
La vision d’un film dans ce lieu reste un tantinet limite, tant l’envoi du DVD sur grand écran, ne semble toujours pas être maîtrisé par la technique (après une rencontre mémorable avec Pierre Étaix et son « Yoyo » dans les mêmes dispositions), et il faut affronter l’épreuve des sièges qui nécessitent d’avoir un bon ostéo, mais le film est en avant-première nationale.
Un petit couple charmant de défroqués, après avoir été surpris à forniquer en plein air, Victor et Marie-Ernestine (Arthur Defays, petit-fils de Pierre Richard et Prescillia Andréani), se retrouve à la rue et trouve refuge grâce à la générosité d’un gueulard (Victor Mu) qui travaille dans une boulangerie religieuse. Ils observent dans le voisinage l’attitude libre de deux couples les Mouton (Benoît de Gaulejac et Claire Corlier) et les Renard (Christian Chauvaud et Myriam Degaudez) qui pratiquent l’échangisme sans aucun état d’âme. Les deux jeunes gens, gardant leurs tenues épiscopales, voient ainsi un remède à l’adultère et décident de fonder une association « Les compagnons de la Pomponette », en prenant modèle sur une fleur du voisinage (et non, ce n’est pas une allusion à la fameuse chatte de la femme du boulanger). Apparaît ensuite l’ange gardien surmené Léonard – Mocky lui-même, forcément emplumé et débordé – qui les conforte dans cette mission, encouragée par Dieun que l’ange appelle « Patron ». Un théologien (Jean Abeillé) les encourage, l’échangisme apparaît dans la bible ! Un élan va prendre assez rapidement, les Français moyens étant ravis de céder à cette utopie, ce qui va occasionner la colère d’une adepte intégriste tendance Saint-Nicolas du Chardonnet (Françoise Michaud) aidée d’un cardinal pédophile (excellent Olivier Hémon), d’un policier désabusé (Lionel Laget) maqué à un travesti à la carrure d’un rugbyman – Miguel-Ange Sarmiento –
Côté technique on retrouve aussi les fidèles comme André Ruellan aux dialogues et Vladimir Cosma qui réutilise comme à son habitude des musiques déjà existantes, on passe ainsi le film à se demander où on les a entendues la première fois, ce qui est tout de même un tantinet désinvolte de la part de ce grand musicien même s’il donne à Mocky ses musiques gratuitement. De nombreux permanents du Mocky circus actuels acceptent d’être malmenés, outre Abeillé, Hémon et Chauvaud, on retrouve ainsi Guillaume Delaunay en policier protecteur, Jean-Pierre Clami en animateur de club de bridge particulier, Christophe Bier en peintre sur préservatif, Noël Simsolo et je dois en oublier, plus quelques petits nouveaux truculents, il y a même Patrice Dozier dans le rôle du pape.
Le film est assez réjouissant, sur le mode délirant tel « Le glandeur » ou « Le dossier Totoro », Mocky se révèle toujours comme le dernier des moralistes, l’échangisme étant un remède contre l’adultère ! Un politicien castré part à la recherche de ses testicules, victime d’une punition mockienne pour avoir fauté. Le Mocky circus est presque complet, il arrive à le renouveler et il nous livre une farce sur quelques travers de notre temps, tout en continuant à garder un espoir d’une utopie libertaire. Son œuvre est foisonnante, on a toujours trois ou quatre films, et trois courts de retard même, si on est fan, une constance à saluer, et un œuvre qui mérite d’être souvent revisitée. Ces films méritent d’être vus, à chaque fois on se dit qu’il faudra une grande dose d’indulgence pour les derniers films de Mocky, mais pour ma part je trouve toujours son inventivité et son côté Daumier du cinéma (comparaison souvent faite à son sujet), toujours intacts.

Pour vous tenir informé de l’actualité de Jean-Pierre Mocky il convient de visiter son excellent site officiel.

FILMS,

TOURNÉE

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Avant-première à l’UGC-Ciné-cité le 08/06/2010 du film de Mathieu Amalric, en sa présence. L’occasion de découvrir un film très attendu depuis sa présentation à Cannes, – voir l’animation festive de l’équipe dans le poussif « grand journal » de Canal+ notamment -. La visite de son réalisateur dans ce multiplex avait une résonnance particulière quand l’on repense à son texte caviardé lu par Antoine de Caunes à la soirée des Césars voir Les cahiers du cinéma. (1) L’histoire : Joachim Zan – nom de la propre mère du réalisateur -, fait un retour en France, après quelques temps d’exil. Il y semble désormais tricard  dans les milieux de la télévision et se retrouve comme producteur-régisseur de la tournée de danseuses excentriques et généreuses, le New Burlesque. L’histoire se passe sur trois jours, dans une ambiance fébrile, il doit faire face aux contraintes de la tournée aux quatre coins de l’hexagone. Il doit déplorer la défection du directeur d’un théâtre parisien, s’occuper un jour de ses enfants. Il tente également de reconquérir sa position dans les milieux du spectacle, alors qu’il s’est mis tout le monde à dos. La genèse de ce film vient d’un texte de Colette, « L’envers du Music-Hall ». Chemin faisant est née l’idée de faire une transposition contemporaine, et la lecture d’un article de Libération l’a amené vers l’idée d’un spectacle de New Burlesque. Ne voulant pas faire un documentaire et se laisser phagocyter par la personnalité exceptionnelle de ces femmes, avec son co-scénariste ils ont eu l’idée d’écrire sans chercher à les connaître intimement. Ils ont pensé au drame du suicide du producteur Humbert Balsan – à l’instar du film de Mia Hansen-Løve-, l’excellent « Le père de mes enfants ». Ils ont aussi l’idée d’intégrer ce type de personnage qui se trouverait en difficulté pour subsister artistiquement dans le contexte actuel. Balsan était l’un des derniers producteurs hors normes et derniers des mohicans comme Gilles Sandoz et surtout Paolo Branco. Amalric a rencontré Branco durant ses années où il était stagiaire sur les films – depuis l’âge de 17 ans -, et il fut pressenti, mais il ne correspondait plus au souvenir initial. Amalric précisait qu’il était le seul finalement à ne pas savoir qu’il allait jouer ce personnage dans le film. Le débat fut passionnant, et de mémoire de spectateur, j’ai rarement vu quelqu’un d’aussi disert, passionné et enthousiaste, pour une mémorable soirée. Son réalisateur fut ému de l’accueil enthousiaste du public – l’un des premiers payant – dans la grande salle 15. Les échanges furent intéressants, de la volonté de donner un climat documentaire à un film très écrit et très réfléchi, dans un climat « cassavetien » pris sur le vif. Il n’élude pas cette référence, assumée, on peut parler d’une continuité avec John Cassavetes, il parle de son personnage comme d’un spectateur de celui joué par Ben Gazzara, Cosmo Vitelli, qui parle avec ses filles comme lui dans « Meurtre d’un bookmaker chinois », film auquel il est impossible de ne pas penser.

Une habituée, la manche de « mézigue » (de l’art d’esquiver les photos…), une autre (charmante) habituée, Mathieu Amaric et Pierre Bénard (directeur de l’UGC de Bordeaux), [Private joke] – photo source facebook : Photos de UGC Ciné Cité Bordeaux – Avant premières

On peut admirer sa capacité à digérer ses influences et en tirer matière dans son univers, tel le « comportement de merde sur un socle » lors de l’affrontement entre son personnage et celui joué par Damien Odoul, venant de la correspondance de François Truffaut en désaccord avec Jean-Luc Godard. On remarque donc trois metteurs en scène comme acteurs, André S. Labarthe, figure tutélaire de la cinéphilie par la télévision, auquel Amalric est redevable, Pierre Grimblat, avec qui il a un lien de parenté, en figure patriarcale de grand producteur de spectacle et Damien Odoul, dont il rapprochait son amitié effective en relation fusionnelle, amicale amour-haine où ils semblent tous deux avoir leurs raisons. Pour l’anecdote Damien Odoul étant lutteur, et Amalric ayant appris à tomber lors du tournage de « Quantum of Solace », ils nous livrent une scène d’une redoutable efficacité. Le moindre petit rôle est étonnant, citons la formidable Anne Benoît en caissière inconditionnelle du spectacle, elle a amené beaucoup à son personnage selon son réalisateur, ou Aurélia Petit en préposée à la station service, passante d’un soir. Les interprètes du New Burlesque sont tous formidables et attachants. Les réponses aux spectateurs furent un régal, de la rencontre et de la découverte des danseuses américaines, du dialogue franco-américain, préparé avec une coach, et ce jeu de passage d’une langue à l’autre – en fait 60% du dialogue est français, pour des raisons de financement. Très sollicité comme comédien pour son grand talent avec des propositions « irrésistibles » comme l’excellent « La question humaine », ou le film de Resnais, Amalric a eu ainsi des difficultés à préparer son film, volant des moments à sa famille pour le préparer. Ironie du sort, au moment de tourner son film, il a eu une proposition des frères Larrieu pour « Le dernier », devant selon eux mettre un terme – sic – à son parcours d’acteur. Mais il annonce être satisfait de reprendre son parcours d’acteur avec Marjane Satrapi dans « Poulet aux prunes ». Le film est une formidable réussite on s’attache à son personnage pourtant assez opportuniste – il est sûr de son retour avec sa troupe, et d’être accueilli comme un prince. Il y a une manière singulière de filmer la France, qui semble être un no man’s land assez peu chaleureux. Il mêle avec bonheur toutes les cultures à l’exemple du mariage chinois qui manque de finir en pugilat, dans lequel on retrouve une danseuse orientale. Amalric filme ses interprètes avec chaleur, – les comédiennes sont magnifiquement belles loin de l’esthétique en cours « photoshopée » et « botoxisée ». Il y a beaucoup d’humour telle la musique de fond que l’on finit par ne plus entendre, mais qui exaspère Jonathan Zan. Amalric fait preuve de maîtrise comme metteur en scène pour son nouveau film, souhaitons qu’il arrive à concilier cette activité avec son très riche parcours de comédien.

1) Texte retiré de ce blog puisque cela semble poser problème à une agence de presse.

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LE COIN DU NANAR : FATAL

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Avant-première à l’UGC-Ciné Cité de Bordeaux du franco-canadien « Fatal », le 03 juin, avec une présentation sommaire de Michaël Youn, Armelle, Isabelle Furnardo et Fabrice Eboué, ce dernier faisant ses débuts au cinéma – manképluksa ! – Il y avait également un chien forcément cabot, acteur du film, mais il faut rester au générique de fin pour le voir. Le tout était vaguement animé par un animateur d’une radio N.R.Vée – un certain Yanis, je sais pourtant que ce n’est pas bien de dénoncer -, il a posé une question existentielle à son auteur, montre-t-il son cul dans le film ? Michaël Youn, casquette, chaleureux et décontracté a mis en avant ses interprètes, il annonce que c’est son meilleur travail (sic, merci pour les autres). Armelle montrait une grande timidité, Youn animait l’ensemble avec entrain, avec le classique « si vous n’aimez pas le film, envoyez les gens que vous n’aimez pas ». Programme chargé et marathon pour ces comédiens au programme, au Mégarama à 19h00, à l’UGC à 20h15 au CGR Français à 20h92, à l’Appolo de Pontault Combault à 5h20, etc… Fatal Bazooka – joué par un Youn qui ne se ménage pas – est une institution du rap, a son propre parc d’attraction, vend des parfums basés sur son odeur corporelle, et vit comme un nabab. Lors d’une party, un nouveau venu Chris Proll veut en découdre avec lui et lui voler sa place de star, en surfant sur la vague écolo. Suit une compétition à grande dose de testostérone… Stéphane Rousseau, dans ce rôle, bradpittise avec beaucoup d’autodérision, son grand talent de showman est ici au service de ce rôle de chanteur à la mode qu’il campe avec conviction. La distribution est un mélange de comédiens pas encore trop compromis à l’écran, Ary Abittan en cynique animateur tête à claque, Jérôme Le Banner proprement tordant en gros bras avec une âme d’enfant, et l’inévitable Vincent Desagnat en musicien déglingué. Eboué ne convainc pas toujours tout à fait, et Isabelle Funardo parishiltonise à souhait. D’autres comédiens plus aguerris complètent le tableau comme Armelle qui y va franco dans un personnage d’Heidi d’opérette se montrant volcanique, le toujours parfait Jean Benguigui excelle en producteur véreux et Catherine Allégret surprend en mère savoyarde adepte de l’internet. On retrouve même, et c’est un come-back, Perrette Souplex en odieuse vieille dame hospitalisée raciste et haineuse. Elle a toujours une formidable présence, souhaitons que ce soit pour elle un nouveau renouveau pour sa carrière, selon IMDB, elle serait à l’affiche de « Les amours imaginaires ». Vu dans des conditions pas trop optimales, avec 3 bobos trentenaires, assis à côté de moi, l’un dormait presque sur mon épaule, un autre utilisait allègrement son portable, le troisième jouait au foot avec le fauteuil de la spectatrice devant lui, visiblement rétive à ce sport. Au final elle se fera même insulter en prime car elle se défendait tout de même.

 

Michaël Youn & Armelle Lesniak dans « Fatal », photo source Universal Pictures International France   

Le premier film de Michaël Youn n’a rien de déshonorant. Pour rappel, la notion « coin du nanar » distingue les films pour lesquels on peut avoir de la sympathie. Malgré quelques maniérismes de mise en scène, le film a parfois un ventre mou, mais il y a une volonté évidente de garder un rythme, de faire un maximum de vannes. Il flirte carrément avec le potache, voir la scène « du pruneau cuit, pruneau cru, la statue femme fontaine ». Il y a même des moments d’authentique délire, telle la scène de l’attaque de la meule de fromage infernale dévalant une montagne, digne des meilleurs cartoons. Il égratigne les mœurs de son temps et de ses contemporains – tel le chanteur Gaëtan, on en reconnaît aisément la cible – Mine de rien, son portrait de rappeur vivant une descente aux enfers, a des échos sur sa propre personnalité, sur son comportement d’écorché vif qui voudrait tourner avec Patrice Chéreau et toujours sur la défensive, et de son expérience télévisée où il fut adulé pour être décrié au cinéma. Il y a même un constat assez amer du vedettariat, et voire même complètement désabusé, le public ne se laissant pas attendrir, ils veulent toujours plus de trash, ce que l’on constate de plus en plus, voir la dernière merdaille proposée par l’ineffable Alexia Laroche-Joubert. Il démontre toujours son talent, j’ai eu un jugement par trop réducteur pour  le cornichonesque « Incontrôlable », et  le mésestimé « Héros », ou même « Coursier » pas totalement antipathique. Selon le dernier numéro de Brazil, Michaël Youn remet le couvert en septembre prochain comme réalisateur, on ne peut que l’encourager, nous avons peut-être notre Mike Myers français.

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LES MAINS EN L’AIR

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Avant-première le 1er juin 2010, à l’UGC-Ciné Cité du film de Romain Goupil, « Les mains en l’air », en sa présence. 2067, dans le futur, Milana se souvient de son enfance. En 2009, des enfants du 18ème débrouillards et canailles se réunissent en bande, ont des petites combines, et utilisent internet pour resquiller sur leurs devoirs. Milana est un peu la chef de bande, elle est tchéchène et vit avec sa mère et sa famille. Un jour le petit Youssef, son camarade, est reconduit à la frontière. C’est désormais le tour de Milana et des siens d’être sur la sellette, mais elle peut compter sur ses amis Alice, Claudia, Ali et Blaise dont la mère Cendrine réagit très vite à cette situation en l’accueillant chez elle. Malins, les gamins font preuve d’une ingéniosité solidaire et utilisent les nouvelles technologies, voir l’exemple de la sonnerie des portables à ultrasons, non perçue par les adultes. En aparté, il reconnaissait ne pas vouloir savoir tout ce que faisaient ses propres enfants, et que d’ailleurs ses parents étaient loin de soupçonner son enfance turbulente. Le point de départ est une anecdote de l’une de ses collaboratrices qui a adopté un petit enfant vietnamien. Certains de ses camarades à l’école sans-papiers ont été expulsés, l’enfant a alors demandé quand c’était son tour. La mère s’est trouvée dans l’impossibilité de lui expliquer cette situation, comment justifier selon Goupil l’injustifiable et qu’il y aurait de « bons » étrangers d’un côté car naturalisés français et d’autres mauvais donc indésirables, la situation est donc inadmissible. Il citait aussi l’exemple de la comédienne Sandrine Dumas, qui dans une situation analogue a recueilli un enfant sans-papiers. D’où une vision via l’avenir – où Milana ne se souvient plus quel était le Président de la République d’alors -, avec une incompréhension légitime. Goupil reste iconoclaste et passionnant – pour l’avoir vu plusieurs fois présenter ses films dont ‘À mort, la mort’, ne manquant pas de déstabiliser parfois ses interlocuteurs. Il donne au travers du personnage du frère virulent de Cendrine, joué par Hippolyte Girardot, l’occasion d’exprimer une opinion inverse, quand il ironiste sur sa sœur en parlant des Justes de la seconde guerre mondiale. Il ne fait pas donc d’amalgame avec une période noire de notre pays, comme il a répondu à l’une des intervenantes.

Romain Goupil, Jules Ritmanic, Louna Klanit, Linda Doudaeva et Valeria Bruni Tedeschi dans « Les mains en l’air »  © Les Films du Losange 

Il évite tout manichéisme en défendant la police – la scène d’interrogatoire ayant marqué l’un des interlocuteurs dans la salle-, saluons au passage Florence Muller, actrice fétiche de Bruno Podalydès qui joue ici une commissaire opiniâtre. Cendrine, jouée par une Valeria Bruni Tedeschi radieuse, a une attitude selon son réalisateur de louve, épidermique, elle recueille Milana sans même demander son avis à son mari – joué par Goupil lui-même -. A noter que la comédienne annoncée, n’est pas venue, mais on la comprend, car elle semble légitimement agacée par le questionnement habituel sur le fait de savoir si sa sœur a vu le film. Goupil a narré une anecdote, lui disant de répondre aux journalistes pressants de savoir si leur propre sœur avait vu le film, sur quoi elle aurait répondu une sorte de « et ta sœur » assez confus. Cette comédienne continue avec conviction un parcours exemplaire et exigeant, loin des contingences de sa belle-famille. Loin de n’être qu’un plaidoyer, le film est ludique, avec un côté « les disparus de Saint-Agil », les gamins trouvant une parade pour éviter l’expulsion de leur amie, le film prenant alors l’allure d’un conte, alors, mais toujours avec un fond documentaire. Les enfants sont tous très justes, les spectateurs ont remarqué la présence et l’aura de la petite Linda Doudaeva, présentée par une famille lyonnaise d’origine tchéchène aidée par le réalisateur. A noter que c’est sa propre mère qui joue celle de la petite Milana, elle « accroche » également la lumière comme sa fille, selon Romain Goupil. Deux intervenantes ont parlé du problème des expulsions très présent sur Bordeaux, l’une s’occupait d’une association et faisait remarquer que dès que certains enfants deviennent majeurs ils sont renvoyés à la frontière et une mère de famille évoquait plusieurs cas dans l’école de ses enfants. On ne peut que saluer son réalisateur, le cinéma français, étant on le sait, pas toujours prompt à parler de notre actualité. Il poursuit ses envies, à son rythme et garde toujours une acuité, même si elle est parfois à contre-courant.

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LE COIN DU NANAR : JOURS TRANQUILLES À CLICHY

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Planquez vous, profitant de l’abandon d’une certaine tendance nécrophage de ce blog foutraque, voici le retour du « Coin du nanar »… On reproche souvent à Claude Chabrol – dont je suis un inconditionnel -de toujours faire le même film, mais dans un canevas semblable il a toujours su se renouveler ressuscitant même Gérard Depardieu ces derniers temps, c’est dire… « Jours tranquilles à Clichy » est un film curieux, comme « Docteur M. », hommage à Fritz Lang tourné par la suite, souffrant un peu de la mode « euro-puddinge » encore en vigueur dans cette fin des années 80, et aube des années 90. Marin Karmiz a refusé de le produire – il avait alors du nez, curieux itinéraire pour ce réalisateur de « Camarades », devant tomber sous le charme des sirènes de Nicolas S. -. Une analyse de Thierry Jousse dans le numéro des Cahiers du cinéma, spécial Claude Chabrol, paru en octobre 1997,  résume d’ailleurs parfaitement ce film : « Collection de souvenirs d’un vieil érotomane fatigué, ce film est un fantasme égaré dans le monde du cinéma. Un fantasme hautement improbable. Parce qu’il est saugrenu de voir les mots de Henry Miller sous la caméra de Chabrol. Parce que tout y est toc : casting, décors, doublage, coproduction franco-italo-allemande, parlée en anglais. Même la chair des filles prend l’air lisse des peaux sans histoire ». Bon ça commence plutôt mal avec un Andrew McCarthy mal grimé façon vieux, en Henry Miller égrillard devant une jeune femme nue qui se refuse, un mystérieux cortège en deuil attendant derrière une porte vitrée. Il y a un décor assumé type Cinecitta lourdingue, type coucher de soleil, annonciateur d’un Chabrol nous déclarant en catimini ne pas croire à ce film ? Là on comprend très vite qu’il faut laisser en berne les souvenirs affriolants à l’adolescence de lecture d’Henry Miller en visionnant une sublimation du sordide de ce génial écrivain. Que celui qui n’a jamais été émoustillé par la lecture de « Sexus » et autre me jette la première bobine de film… Suit un plan sur un exemplaire du journal du « Temps » gisant dans un caniveau, et des badauds marchant allégrement, dont le pas est égaillé par une post synchro des plus approximatives. Un Nigel Havers émacié et McCarthy campant Miller jeune homme se recueillent devant le corps de Manouche, une prostituée embaumée façon baroque, dont le corps va être incinéré. « Le cul de plus chaud de Paris, réduit en cendres ! » pérore le Havers. Havers et Mc Carthy sympathisent parlant de Proust et d’huîtres – de la chair bien vivante -sur fond de bière puis de Montrachet… Henri Attal passant par là, frime, prend son canotier et sort du restaurant. Les deux zigues ramènent une blonde platine « : « L’obscénité est la sainteté, le bien de la chair », citant D. H. Lawrence, déclare l’un…. « Pas de littérature, on est saturé » répond l’autre… Le ton est donné. Les compères sympathisent, les mouvements de caméras sont trop présents, le reste est une visite licencieuse des lieux mal famés de Paris version « cartepostalesque ».

Une orgie selon Chabrol, photo source « Toutlecine.com »

Un saugrenu propose à Miller de se détendre « … Comme la fleur du lotus prise par la neige ». L’érotisme soft, façon fin de soirée de la sinistre M6, est assez terne, mais la désabusion – chère à Nino Ferrer – est assez communicative. Arrive Stéphane Audran – Jeanharlowisée aussi – accompagnant tardivement les pérégrinations nocturnes des deux gus qui dissertent sur la cruauté du Pernod. Les deux larrons vont naviguer de fantasmes en fantasmes, sur fond de nostalgie proustienne. Arrive la supposée petite fille de Manouche – Stéphanie Cotta, fille de Michèle, disparue de nos écrans désormais -, dont la venue va gripper un peu un certain mécanisme d’insouciance forcée. La distribution est au final assez incongrue, les personnages féminins sont décrits avec une rare misogynie – elles sont vénales –comme la belle Barbara de Rossi mariée à un notable rouannais, jaloux et amateur de fromage, campé par… Dominique Zardi, répondant au doux prénom de Gustave. Il faut le voir affublé d’une fausse moustache envahissante et en prime l’entendre doublé en anglais… On retrouve Henri Attal se promenant durant tout le film, Mario Adorf en éditeur roublard, Anna Galiéna qui seule apporte un peu de charme dans un rôle amusant de femme quelque peu borderline, Thomas Chabrol, qui devait passer par là, et même Paul Bisciglia en poinçonneur du métro vindicatif – info ou intox ? -. Une arnaque chère à Chabrol, mais ce dernier jurait que « Le sang des autres » fut la dernière. Quand on lit au sujet de ce dernier film, la définition suivante semble répondre parfaitement à ces « jours tranquilles » : « ..C’est faire des trucs qui me font chier pour faire du pognon tout en montrant bien aux copains que ça me fait chier en même temps. Mentir au mec en lui promettant un beau film. Dieu sait si j’ai pratiqué !, mais je ne le fais plus. Réfléchissons : sur les dix ans, me suis-je tellement plus baladé qu’avant ? » (« Les cahiers du cinéma » N°437, novembre 1990). La vision de cette bizarrerie nous laisse un tantinet perplexe mais Chabrol devait nous régaler d’un de ces plus grands films par la suite avec « Betty », le plus grand rôle de Marie Trintignant.

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