On peut définir comme cultissime et réjouissant “Casino Royale” et qui reste pour moi un des films les plus divertissants. Comme le dit bien l’accroche du film “Casino Royale is too much for one James Bond !” il y a ici une dizaine de Bond, y compris des femmes.
C’est l’adaptation du très sérieux roman de Ian Fleming, transformé en parodie pour une sombre histoire de droits et qui devrait être adapté de nouveau. On le sait la genèse de ce film fut compliquée. C’est plus l’œuvre du producteur Charles K Feldman que celle des réalisateurs successifs : Val Guest, John Huston, Kenneth Hugues, Joseph McGrath et Robert Parrish (ouf) et autant de scénaristes – Joseph Heller “Catch 22”, Ben Hecht, Terry Southern et même Billy Wilder ! -. Il fallait concilier avec certains caprices tels celui de Peter Sellers refusant de jouer en face d’Orson Welles, les manques du scénario, les disponibilités de chacun, etc….
Le seul et unique Sir James Bond étant David Niven, en retraite dans son manoir, son nom devenu une marque, sert à une multitude d’agents, dont le dernier – allusion à Sean Connery – déplaît souverainement à l’original. Il ne veut pas revenir à l’espionnage, malgré l’insistance d’une délégation de hauts gradés de l’espionnage M. en personne – John Huston – avec moumoute – dans le rôle de M., le Français – Charles Boyer -, L’Américain – William Holden – et le Russe adipeux – Kurt Kasznar -, l’heure étant grave pour les espions. À bouts d’arguments ils vont utiliser la force.
Le film manque singulièrement de cohérence et présente une suite de sketches plus – l’épisode ouest-allemand dans les décors du “cabinet du docteur Caligari”, les déguisements de Peter Sellers – Hitler, Lautrec, etc…-, la singulière décontraction de David Niven et Deborah Kerr irrésistible en veuve écossaise s’amusant à écorner son image très sérieuse habituelle. Si Peter Sellers semble un peu absent, il reste génial, Ursula Andress s’amuse avec son rôle de bombe sexuelle, Woody Allen en neveu de sir James, dans un climat pré -“Bananas”, Orson Welles, en grand méchant Chiffre, est assez mal utilisé, mais nous livre un de ses tours de magie, Joanna Pettet est excellente en fille cachée de Bond et de Mata Hari, parodiant la danse de Debra Paget dans “Le tombeau hindou”.
Il y a des caméos pathétiques comme George Raft faisant son éternel numéro post-Scarface ou notre Bébel national – alors compagnon d’Ursula Andress -, en légionnaire bêta, toutes petites appariations, ils sont par contre très bien placés au générique et Peter O’Toole, non crédité, apparaissant en kilt demande à Peter Sellers s’il se nomme Richard Burton, ce dernier lui répondant qu’il est Peter O’Toole ! Il y a cependant beaucoup d’excellents seconds rôles, l’étonnant Vladek Sheybal – déjà présent dans « Bons baisers de Russie – en espion allemand, Anna Quayle en une inquiétante Frau Hauffner, Derek Nimmo en homme de main déglingué, Bernard Cribbins en chauffeur de taxi dévoué, et un bon nombre de belles comme Dahlia Lavi, Jacqueline Bisset, Barbara Bouchet ou Angela Scoular.
Le film, ambiance très guerre froide, très fumiste et très années 60 est très sympathique dans l’incohérence, et fut la source idéale d’inspiration pour Mike Myers pour la trilogie des “Austin Powers”, baigné dans l’excellente musique de Burt Bacharach et John Barry, souvent reprise depuis. On flirte ici avec le jubilatoire si l’on goûte l’ambiance de “Quoi de neuf Pussycat, ?”.. On aimerait pouvoir voir en France la version TV 1954 dans la série “Climax”, avec Peter Lorre et Barry Nelson.
George Romero réussit avec “Land of the Dead” à concilier un excellent film d’horreur, tout en décrivant de manière acerbe la société de son temps , et une certaine tendance politique des États Unis. Sa vision est pessimiste, à part une poignée de personnes justes, chacun tente de trouver son compte dans une société difficile, et si certains reste dans un comportement social, c’est par intérêt. La violence barbare et primitive relève ici plus de la survie, de la loi du plus fort, du chacun pour soi. Dennis Hopper dans un jeu très underplaying est admirable dans son rôle de maître de ce IGH qui constitue un refuge pour les élites. Il maîtrise une certaine ironie sourde, et sert même de symbole de l’évolution des États-Unis. Certaines déclarations misent dans sa bouche prennent donc un certain relief. Bruno Icher et Florent Latrive dans “Libération” citent avec justesse George Romero qui « dit volontiers sa déception d’apprendre que Hopper, «enfant de la contre-culture» comme lui, est aujourd’hui un homme de droite qui s’assume : «Easy Rider joue au golf et vote républicain, le croyez-vous ?» Cela n’empêche pas Hopper d’avoir porté le projet. Téléphonant à son réalisateur après lecture du script pour lui dire, enthousiaste, «Kaufman, c’est Donald Rumsfeld.» C’est tout un parcours… Despote déterminé, regrettant d’avoir certains agissements selon les informations qui étaient en sa possession, il est réjouissant d’ignominie. Il représente la société du replis sur soi, une humanité vénale finalement prise à son propre piège. La seconde catégorie du film est constituée de marginaux parqués autour du lieu – du mythe américain ? -, et dont la plupart ne pensent qu’à rejoindrent le grand bâtiment, par des menus services, comme le personnage de John Leguizamo – excellent – mercenaire arriviste et chargé des basses œuvres et rêvant d’une place au soleil par tous les moyens. La lutte inévitable, et les perturbateurs rapidement neutralisés comme Asia Argento – on sait l’importance de son père Dario, dans l’œuvre de Romero – est une prostituée dure au mal, jetée en pâture par un nain aigri tout droit sorti de « Freaks » et prévue pour être sacrifiée à une nouvelle société du spectacle. Le film fraternise donc avec l’œuvre de John Carpenter, comme le dit justement 
Petit mystère des films exportables ou non dans une cinématographie étrangère. Il y a un manque de voir du cinéma italien, on fait une fête à “Nos meilleures années” par exemple, on croit voir un renouveau à chaque fois, un art qui renaîtrait de ses cendres. “L’amore ritrovaro” est un film de Carlo Mazzacurati, adaptation gnangnan d’un roman de Carlo Casola. Mais ici la collection Arlequin est reine, certes ce cinéma a une tradition longue de mélo : “Le téléphone blanc” accessoire du cinéma fasciste des années 30. Ce film se passe en 1936, mais il ne faut voir ces années là comme un décors, aucun encrage social, c’est à déplorer. Et quand on voit le sempiternel regard de cocker triste de Stefano Accorsi, vedette de “Juste un baiser” de Gabriele Muccino, on se dit que le temps va être très long. Delly, sort de ce film !, ,Voici le cinéma de gare avec une reconstitution d’une lourdeur assez pathétique. 
Elle est morte des suites d’un cancer du poumon. Sil elle est populaire, c’est surtout grâce au petit écran et son personnage de Miss Ewing dans la série “Dallas”. Elle avait débuté sur les planches à l’âge de 17 ans. Le cinéma ne la pas suffisamment exploité, en raison de soucis de santé et la “Chasse aux sorcières” de McCarthy. Elle avait été nominée à l’Oscar pour “I remember Mama” (1948), elle a tourné avec Robert Wise “Ciel rouge” (1948), Max Ophuls, “Caught” (1949), Elia Kazan, “Panique dans la rue” (1950), Henry Hathaway, “Quatorzième heure” (1951), et elle était l’une des “Cinq femmes marquées” (1959) du film de Martin Ritt. Son meilleur rôle doit être celui de l’amie maternelle de James Stewart dans “Vertigo / Sueurs froides ” d’Alfred Hitchcock. Elle donnait une grande émotion à ce rôle de confidente amoureuse transie, dépossédée de l’homme qu’elle aime par un fantasme. 
J’abomine relativement les versions françaises doublées, passant le plus clair de mon temps à vouloir mettre un nom sur une voix, pour peut que film soit flapi. Dans le désœuvrement complet d’un ugecetiste – possesseur de carte UGC -, je vais donc voir la dernière bessonnade “The Transportor II – Le transporteur II”, grosse machine sans âme transplantée à Miami et en français dans le texte pour deux bonnes raisons :
Vu hier proposé par l’UGC Cité-Ciné Bordeaux, un mois avant sa sortie “Ma vie en l’air” premier long métrage de Rémi Bezançon. Ca commence une comédie un peu mode, post-“Amélie”, on se met à redouter un nouveau “Jeux d’enfants” – film de Yann Samuell avec déjà Marion Cotillard -. Le film n’est pas d’une originalité folle, reprennant l’idée de départ d'”En chair et en os” de Pedro Almodóvar, l’autobus étant troqué contre l’avion, mais on finit par s’y intéresser et rire, surtout quand il y a une habituée au rire contagieux et communicatif – ça aide pas mal – et la chanson de Serge Gainsbourg “Ford Mustang” est très ciné génique. 
“Io non ho paura”, sorti en 2003 est une adaptation d’un roman de Massimo Ammaniti, connu en Italie et paru en 2001. On avait perdu un peu de vue Gabriele Salvatores, auteur de “Méditerraneo” (1991), et d’un film d’anticipation “Nirvana”. Dans un petit village des Pouilles écrasé de soleil, durant l’été 1978, un groupe d’enfants sont livrés à eux-mêmes et se livrent à de petits jeux cruels près d’une maison abandonnée. Michele – Giuseppe Cristiano très juste – un enfant de 10 ans promène une mélancolie. Il ne goûte que peu ces jeux puérils, et protège sa petite sœur. Il retourne seul sur les lieux, s’apercevant avoir perdu les lunettes de sa sœur… Je préfère ne rien dévoiler de la suite, lisez n’importe qu’elle critique et vous avez déjà toute l’histoire, il vaut mieux voir le film vierge d’informations. L’ombre de “La nuit du chasseur” le magnifique film de Charles Laughton, plane durant tout le film – les animaux de la nature, inquiétants deviennent protecteurs, la barque étant transformée par une bicyclette. La scène de la poupée cassée que la petite fille plonge sous l’eau, les cheveux ondulants comme ceux de Shelley Winters, est même une citation directe. 
Ce film magnifique de Maurice Pialat en 1971, est une lucide analyse sans complaisance du point de non retour d’un couple. Rarement on a pu voir une telle âpreté, un tel réalisme, une telle cruauté. La genèse du film fut tourmentée, lire le formidable “Pialat” de Pascal Mérigeau (Éditions Grasset, 2002), Jean Yanne n’aura cesse de minimiser sa performance, suite aux nombreux différents entre lui, Jean-Pierre Rassam – qui apparaît d’ailleurs en guitariste – et Maurice Pialat. Yanne obtiendra un prix d’interprétation masculine, plus que mérité. Il a joué le rôle de Jean, personnage frustre, violent et assez détestable avec une humanité, de même Marlène Jobert obtient un de ses meilleurs rôles, avec celui de “Catherine”, femme touchante venant d’un milieu populaire, sans cesse rabrouée par Jean, voire humiliée comme dans la scène d’une incroyable crudité de son retour chez sa grand-mère. Jean comprend son amour au moment de l’ineductable seulement, Catherine devenant autonome, cessant de vivre dans une crainte permanente, préférant fuir de prime abord plutôt que de lui annoncer sa rupture.
The cable guy “Disjoncté” (1996) est le troisième film de Ben Stiller comme réalisateur après “Elvis Stories” (1989) et le générationnel “Realy Bites / Génération 90” (1994). Le film qui est un mélange de loufoquerie et de thriller, avait désorienté le public de son interprète principal : Jim Carey – caché record à l’époque, et bide noir en France du moins -. Depuis on connaît la palette du comédien de “Man on the moon” à “Eternal sunshine of the spotless mind” déborde d’inventivité et compose un personnage hallucinant. Certes la dénonciation d’une société médiatisée est assez vaine et la réalisation n’est pas très inventive, mais Stiller a un regard assez noir sur la société et parle de la solitude en milieu urbain assez justement. L’homme du câble a besoin d’amour, d’être le centre intérêt alors qu’enfant sa mère se servait de la télévision comme une baby-sitter ! 
Revu hier “The big kife” (Le grand couteau) film réalisé et produit par un “maverick” : Robert Aldrich et sorti en 1955. Le film a une atmosphère digne d’un film noir, le réalisateur garde le huis clos de la pièce de Clifford Odets et le traite avec maestria, ne cherche pas à l’aérer. Le film traite des difficultés d’un acteur, Charles Crane aux prises avec deux producteurs détestables et qui tente de reconquérir sa femme, Marion et son jeune fils. La pièce avait été crée par John Garfield, la formidable idée est d’avoir choisi Jack Palance, saisissant de colère rentrée, et qui a abandonné ses convictions idéalistes au profit d’une carrière gérée par deux producteurs roublards qui veulent renouveler son contrat de sept ans. Il peut trouver une certaine autonomie financière mais en le signant il sait qu’il peut abandonner toute ambition artistique. Assez volage, en restant dans le giron des deux vampires, il risque en plus de perdre la considération de Marion, jouée avec une réelle émotion par Ida Lupino, actrice douée d’humanité et également réalisatrice. Aldrich digère le cabotinage hallucinant de Rod Steiger, jouant le premier d’entre eux, mais qui convient parfaitement à l’hystérie d’un producteur manipulateur et dictatorial, surjouant les situations. Le second c’est Wendell Corey, plus affable en apparence – mais un tremblement de terre paraîtrait inanimé, face à cette masse virulente Steigerienne – se révèle finalement encore plus cynique et sans scrupules, ils forment un duo particulièrement malsain. 