The cable guy “Disjoncté” (1996) est le troisième film de Ben Stiller comme réalisateur après “Elvis Stories” (1989) et le générationnel “Realy Bites / Génération 90” (1994). Le film qui est un mélange de loufoquerie et de thriller, avait désorienté le public de son interprète principal : Jim Carey – caché record à l’époque, et bide noir en France du moins -. Depuis on connaît la palette du comédien de “Man on the moon” à “Eternal sunshine of the spotless mind” déborde d’inventivité et compose un personnage hallucinant. Certes la dénonciation d’une société médiatisée est assez vaine et la réalisation n’est pas très inventive, mais Stiller a un regard assez noir sur la société et parle de la solitude en milieu urbain assez justement. L’homme du câble a besoin d’amour, d’être le centre intérêt alors qu’enfant sa mère se servait de la télévision comme une baby-sitter !
Il y a de grands moments, notre cinglé ne parlant que par référence avec les classiques télé ou cinéma, d’une scène tordante de parloir de “Midnight express” à celle du jeu du “mot de passe” devant Georges Segal et Diane Baker amusés. Matthew Broderick est à la hauteur de son prestigieux partenaire, son personnage qui vient de séparer de sa petite amie, va s’installer seul et donc tomber sous l’emprise d’un employé du câble zélé. Il y a des cameos amusants de Charles Napier en policier, Ben Stiller en jumeaux cathodiques, héros d’un fait divers, Eric Roberts qui incarne les rôles de ce dernier pour une série, plus quelques comédiens reconnus depuis comme Owen Wilson, Janeane Garofalo ou Jack Black. Une comédie noire à redécouvrir, et un portrait d’une certaine Amérique, et que reflète l’incertitude des personnages du film.
Revu hier “The big kife” (Le grand couteau) film réalisé et produit par un “maverick” : Robert Aldrich et sorti en 1955. Le film a une atmosphère digne d’un film noir, le réalisateur garde le huis clos de la pièce de Clifford Odets et le traite avec maestria, ne cherche pas à l’aérer. Le film traite des difficultés d’un acteur, Charles Crane aux prises avec deux producteurs détestables et qui tente de reconquérir sa femme, Marion et son jeune fils. La pièce avait été crée par John Garfield, la formidable idée est d’avoir choisi Jack Palance, saisissant de colère rentrée, et qui a abandonné ses convictions idéalistes au profit d’une carrière gérée par deux producteurs roublards qui veulent renouveler son contrat de sept ans. Il peut trouver une certaine autonomie financière mais en le signant il sait qu’il peut abandonner toute ambition artistique. Assez volage, en restant dans le giron des deux vampires, il risque en plus de perdre la considération de Marion, jouée avec une réelle émotion par Ida Lupino, actrice douée d’humanité et également réalisatrice. Aldrich digère le cabotinage hallucinant de Rod Steiger, jouant le premier d’entre eux, mais qui convient parfaitement à l’hystérie d’un producteur manipulateur et dictatorial, surjouant les situations. Le second c’est Wendell Corey, plus affable en apparence – mais un tremblement de terre paraîtrait inanimé, face à cette masse virulente Steigerienne – se révèle finalement encore plus cynique et sans scrupules, ils forment un duo particulièrement malsain. 
Le film c’est “D’où viens-tu Johnny ?”, réalisé en 1963 et signé par un réalisateur de seconde équipe Noël Howard. Johnny Hallyday est l’éternel débutant du cinéma, et va jusqu’à obtenir le prix Jean Gabin, dédié au meilleur espoir masculin en 2003 pour “L’homme du train” pour Patrice Leconte, 40 ans plus tard ! Ce film est pourtant l’un des premiers films construit sur son statut d’idole des jeunes. Le moins que l’on puisse dire, c’est qu’il n’y est ici vraiment pas probant, il a une demi-expression les soirs de grand vent. Le film débute dans un troquet appartenant à M. Franck – premier rôle d’André Pousse -, qui aime la jeunesse, et prête sa salle à de jeunes musiciens (Le Smet, un Jean-Jacques Debout rondouillard et imberbe, Sylvie Vartan en chanteuse). Il s’énerve, n’arrive pas à faire taire le petit groupe, et n’a pas encore du Audiard à dire, mais du Audouard (Yvan) pour débuter… il veut bien prêter sa salle, mais il veut en échange quelques services… Johnny va donc chercher, selon son habitude de la drogue dans une gare, sans le savoir bien sûr, tout naïf qu’il est… Devant le manège de quelques policiers – dont Yvon Sarray, figure familière ces années-la -, il finit par suspecter quelque chose… Il arrive à semer ses suiveurs, pas discrets discrets, et finit par ouvrir la valoche, sur les quais de la Seine. Là il fait la mimique d’un singe découvrant une cornemuse, avant de comprendre qu’il s’agit d’une poudre stupéfiante. Il est contrarié comme tout, et jette le tout dans le fleuve.
Lundi a débuté sur Arte, la trilogie des films politiques de Costa-Gavras, interprétés par Yves Montand, avec « Z », film souvent décrié par son utilisation d’un spectacle pour un film à message. “Z” était la lettre on le sait symbolisant la lutte contre la dictature en Grèce – Lambrakis vit -, pour protester contre le meutre du député Grigoris Lambrakis, opposant pacifiste. Il a fallut l’abnégation de Jacques Perrin producteur – qui tient ici le rôle d’un journaliste accrocheur -, pour que ce film puisse être tourné en Algérie. Aidé de Jorge Semprun au scénario d’après un livre de Vassilis Vassilikos, et du musicien grec alors en exil Mikis Theodorakis. 
Jean-Louis Trintignant
“Shaun of the dead” est est une comédie “mordante” absolument réjouissante, le mélange des genres étant difficile par excellence, c’est aussi un hommage aux films de Lucio Fulci et de George Romero (“Dawn” of the dead)– son réalisateur Edgar Wright et son acteur et co-scénariste Simon Pegg, apparaissent d’ailleurs dans “Land of the dead” le dernier opus de l’œuvre du sieur Romero -. Loin de faire les malins avec le genre, ils assument franchement le côté gore, et concilient la drôlerie, à l’effroi. Les zombies sont donc décidément à la mode, après le passionnant « Les revenants » de Robin Campillo, l’an dernier, plus ancré dans un fantastique social et le film ici pose la même question, comment composer une société avec ces gens si différents–non-morts, non-vivants – et qui ont une tendance à se montrer désobligeants avec les passants ce qui dénote un manque d’éducation certain. Shaun a 29 ans, partage sa vie entre un emploi de vendeur en télévisions, manque d’autorité sur ses jeunes collègues, et vie en collocation avec son meilleur ami Ed, « patate de canapé » qui ne pense qu’à boire, dire des grossièretés gratuites et jouer à la game boy, et le sérieux Pete, qui essaie de tolérer les zigotos comme il peut. Shaun a une petite amie, mais ne la voit que dans un pub, au grand désarroi de cette dernière, qui voudrait un tantinet d’intimité, elle vit également avec un couple. Manquent au tableau la mère de Shaun – Penelope Wilton vue dans “Calendar Girl”– et son beau-père avec lequel il n’a que peu d’intimités – Bill Nighby, toujours aussi glaçant, mais qui peut avoir un sursaut d’humanité -.
Simon Pegg en fâcheuse posture
Ce film de Nathalie Schmidt, d’après son spectacle théâtral et sorti en catimini en 2003, est diffusé en ce moment sur TPS. C’est un problème de voir un film où l’on reconnaît qu’il y a un ton, une originalité et de “rester à la porte”. Rose Bonbon (sic), superbe Julie Gayet pousse la chansonnette (pas plus faussement que beaucoup d’autes), rayonne d’un gnangnan acidulé, et attire par sa naïveté le bossu libidineux du coin – étonnant Fawzi Saïchi -. Son copain, Roger est une brute épaisse, le genre à écraser ses mégots dans ses crèmes de nuit et peu avare de coups, c’est Clovis Cornillac, formid comme d’hab. La rose tombe en voulant s’échapper des assiduités du bossu, sur Dubel, producteur combinard – Marc Barbé, surprenant dans un rôle virevoltant, loin de ses précédents films “taciturnus” -. Reste qu’aux pérégrinations de ce trio infernal, je décroche, et je me mets à me demander, que représente le tatouage au bras du Clovis, un lion sans crinière, Alain Juppé, le tigre d’Esso, un raton laveur. Si vous avez la réponse. Tombé pour la France, comme sous la mitraille, impossible de retourner au film. Pourtant les acteurs sont formidables, Clovis Cornillac s’est servi de ce rôle visiblement comme une sorte de répétition pour “Au suivant !” (imitations, jeux avec un flingue, etc…). 
Cédric Kahn, continue à nous surpendre, avec ce conte pour enfant, loin du réalisme fortement influencé par Maurice Pialat, de l’excellent « Bar des rails ». Il arrive sans pathos à faire un film louchant volontairement sur un esthétisme d’un certain âge d’or hollywoodien, en prenant le parti pris de la fausseté – comme dans “Feux rouges” ou les transparences étaient visibles, de mémoire voir son interview dans “Positif”-. Les nuits américaines sont visibles, le méchant joue aux croquemitaines – Nicolas Briançon toute bedaine dehors, courant comme un forcené -, et la neige retrouve la naïveté de certains clichés. Si l’on peut déplorer une bande annonce qui déflore trop le film, Kahn parle sobrement du deuil d’un enfant, du regard des autres, de la difficulté au travail du deuil (voire la réplique terrible à son grand-père, “Je peux monter faire des devoirs ?” avec cette impossibilité de réagir à un mal trop grand pour soi, son seul petit drame d’avant étant de ne pas avoir eu un vélo à Noël. Pour avoir, comme le personnage de Charly – attachant Roméo Botzalis -, avoir été orphelin de père très jeune – “envoyez les violons !” -, j’ai retrouvé assez justement cette angoisse sourde qui ne m’a jamais plus quitté – ” allons bon voilà qu’il raconte sa vie maintenant !” -, c’est un thème qui a très peu été abordé me semble t’il.
Affiche belge provenant des 
C’est une plaisante comédie policière franco-allemano-suisse, sur le mode de “Topkapi” film de Jules Dassin. Modèle de décontraction et d’ingéniosité – les alarmes de plusieurs banques déclenchées par des guignols sortant de leurs boîtes, faisant tourner les autorités en bourriques. Nicolas Gessner, a une œuvre européenne éparse et à redécouvrir (“Douze plus un”, “La petite fille au bout du chemin, etc…”. L’ambiance très bonne enfant est réjouissante, dominée par la classe de Claude Rich dans le rôle de Bernard Noblet qui devait jouer l’année d’après dans le même registre léger et malin dans « Les compagnons de la marguerite » de Jean-Pierre Mocky. Il est un caissier persifleur, d’une grande banque suisse et qui subit l’agressivité constante des riches clients, et les assauts d’un chef tatillon – Henri Virlojeux, impeccable -.
“Once more time” est la suite de 1970 inédite chez nous de “Salt and Pepper” – film de Richard Donner, sorti en 1968 -. Le film met en scène une partie du “Rat Pack”, Peter Lawford et Sammy Davis Jr., en propriétaire d’un night club exilé en Angleterre, et qui ont des ennuis avec les règlements locaux. Chris Pepper a un frère aîné qui est un Lord anglais, qui lui ressemble comme deux gouttes d’eau – Peter Lawford -, ce dernier daigne l’aider ainsi que son associé Charlie Salt – Sammy Davis Jr. -, à la condition qu’il retourne aux Etats Unis. Suit une histoire abracadabrante où Pepper prend la place de son frère assassiné, sans le dire à son ami Charlie, idée à la Pirandello “feu Mathias Pascal”, il peut voir ainsi l’estime que lui garde son ami. L’intérêt majeur de ce film est la présence de Jerry Lewis à la réalisation, qui a pris au pied levé la relève d’un metteur en scène qui venait de se désister, il ne joue d’ailleurs pas dans ce film. Mais il y a une sorte de mimétisme avec le personnage de Charlie., vraiment hilarant, présentant un corps comique avec une voix de crooner, il faut le voir, ivre, traverser une rue en réglant un ballet de freinage de voitures. Bizarrement le courant ne semble pas trop fonctionner entre deux comédiens, pourtant amis dans la vie, Sammy Davis Jr. tirant largement la vedette sur lui face à un Peter Lawford lymphatique et peu inspiré.
